cortometrajes, MUAHAHAHA

Otra de lacónicos

Aunque no os lo creáis, una de las entradas más leídas de esta bitácora, con bastante diferencia, es la que dediqué a cortometrajes: Los lacónicos. Flipante. Es curioso como posts en los que no puse demasiado tesón, han resultado ser los más visitados; y otros en los que utilicé más tiempo y recursos, han pasado casi desapercibidos. Grandes Misterios de la Humanidad.

Así que, aprovechando la ocasión de que el sábado pasado estuve de madrugada bizarra, buscando y viendo cosas extrañísimas, la entrada de hoy la dedicaré a varios cortos animados con los que me topé… y me gustaron. Tranquilos, no son marcianadas (bueno, algunos un poco), pero me apetecía darles presencia en el blog ya que, además, parece no desagrada la temática. La selección es random total, de hecho me fui encontrando con ellos de forma casual a lo largo de la noche. He seleccionado 7. ¿Por qué 7? Porque del montón que vi, 7 fueron los que más gracia me hicieron. Todos son actuales, casi podrían considerarse una pequeña embajada de lo que se está meneando ahora en Japón. O no. Aclaro que muchos de los creadores me son completamente desconocidos, así que es un placer compartir con vosotros estos descubrimientos. Here we go.

THE MOON THAT FELL INTO THE SEA

Akira Oda

(2013)

Lo que de verdad me ha llamado la atención de este corto, aparte de la preciosa animación, es la libre interpretación que existe de la historia que cuenta. Estoy segura de que cada persona que lo vea sacará conclusiones diferentes. Y eso que el argumento no es complicado ni mucho menos, es lineal y, como dice el título, narra las andanzas de la luna tras caer al mar. Allí se va encontrando con diferentes personajes marinos que la guían, despistan e incluso utilizan hasta la conclusión de su viaje. De ritmo pausado y misterioso, The moon that fell into the sea tiene vocación poética; y no está exento tampoco del consabido aire filosófico. Un cuento para niños que no los trata como si fueran subnormales profundos. A tener en cuenta.

MACKY AND EUCKY IN MIDNIGHT GALLERY

Rushio Moriyama

(2015)

Me ha encantado, qué maravilla, qué divertido, qué todo, joder. Admito que la estética vintage me llama la atención inmediatamente y mi predisposición suele ser buena, por lo que este Macky and Eucky in Midnight Gallery ya tenía una parte de la batalla ganada conmigo. Pero, ¡es que es realmente genial! Coge todo lo bueno de esas primigenias animaciones de Oswald the Lucky Rabbit, Mickey Mouse o Felix the Cat y les da un aire fresco y moderno, incluso incorporando elementos contemporáneos como móviles o… mejor no digo más. Estos supuestos anacronismos no resultan para nada molestos, su inserción es muy natural y juegan hasta un papel interesante en algunos de los gags. Es un corto que me ha sorprendido de principio a fin; siguiendo las pautas del cartoon clásico infantil, con su argumento sencillo, recursos caricaturescos y sentido del humor ingenuo, logra entretener a las mil maravillas. Y la música… estupenda la música… y ese final, ay. Sin duda es un cariñoso homenaje a todos esos pioneros de la animación de hace ya casi 100 años.

VIEW

TANNOKOJO

(2012)

Ni puta idea de quién es Tannokojo. Lo único que sé de él es que es de Nagasaki.¡Konnichiwa, chico del sur! Tampoco tengo claro si estoesto y esto están relacionados de alguna forma con View, pero algo se barrunta.

No es el corto más perfecto a nivel técnico ni mejor estructurado, pero su dinamismo me ha cautivado.  Especialmente a destacar el estilo abocetado, muy manga, del dibujo y el uso puntual del color. La música, sin ser especialmente original tampoco, es el contrapunto que termina de energizarlo todo, ¡muy bien! La lástima es que, a pesar del potencial mostrado, parece que el tal Tannokojo no ha movido más material desde hace 3 años… Si alguien sabe algo más del nota este, que lo deje en comentarios, gracias.

I CAN’T BREATHE

Sayaka Kihata

(2015)

Una bonita historia repleta de bonitas alegorías: la amistad inocente de dos niños. Aunque el abanico de sentimientos que representa es bastante variado y su expresión muy sutil. La animación con arena siempre transmite cierta ensoñación y delicadeza que, en este caso, junto a ese flujo de música envolvente, otorgan una sensación de ligera melancolía. Me ha gustado mucho su serenidad, que ha sido capaz de plasmar el entramado psicológico humano con sencillez cuando se enfrenta a circunstancias serias.

FRAGMENTS OF JOURNEY

Yuki Hayashi

(2014)

No soy fan de Moskitoo, tengo que ser honesta. Me parece una siesta de esas pesadas de la que te levantas luego con la cabeza como un bombo. Pero el vídeo de este tema, Fragments of Journey, es, literalmente, deslumbrante; más bien considero que lo que sobresale con diferencia es el corto, y la canción es solo su banda sonora. Y no es que cuente algo muy preciso en particular; es todo como muy etéreo y dirigido más a provocar sensaciones que ideas. La animación es original, a veces parece purpurina o gotas de agua, otras un cuadro de Seurat. Quizá algo estática, pero es que la melodía y ambiente lo exigen; y en conjunto resulta un corto luminoso y tranquilo. Soy malvada, qué le voy a hacer, por eso en algunos momentos me daba la impresión de estar viendo un anuncio de compresas... pero solo han sido unos segundos, nada serio.

SMALL PEOPLE WITH HATS

Sarina Nihei

(2014)

Este corto es una de las cosas más retorcidas e irritantes que he visto en mucho tiempo. MOLA. Lo relacioné directamente con Yôji Kuri por la acidez que segrega, René Laloux por la irreverencia y Švankmajer por esa atmósfera mecánica y silenciosa. Small People with hats es una pequeña abominación cruel, ejecutada con simplicidad pero a rebosar de sadismo y mordacidad. La primera vez pensé: ¿qué mierdas acabo de ver? Tuve que ponérmelo un par de tandas más, estaba claro que no era un mero corto arty incoherente. Y, efectivamente, todo tiene su sentido y significado. Que aproveche.

END OF THE WORLD

Osamu Kobayashi

(2004)

Al director de este fenómeno de corto sí que lo conozco, sobre todo por Beck, Kemonozume y Paradise Kiss. En poco menos de diez minutos pega un repaso de los majos a la ciencia ficción, el punk, el cómic occidental y un montón de cosas más. Pero este corto en realidad forma parte de un grupo de 5 que Studio 4º C realizó para una recopilación llamada Sweat PunchY anda que no se nota que están ellos detrás. De esos 5, me quedé con este.

End of the world  es un batiburrillo algo confuso, pero muy divertido, donde se olisquea a Taiyô Matsumoto, Tank Girl (algún día escribiré sobre ese tebeo… ay) o el Mojo World de Marvel. Por ejemplo. Comprimido en tan poco tiempo, el resultado es bastante viva la virgen; y no creo que merezca la pena que explique algo de la sinopsis. Este corto se ve y punto. Lo normal es que no guste, aviso.

Eso ha sido todo por hoy, he preferido no liarme más. A veces me parece que escribo demasiado para lo que trato de explicar en realidad; y que sin necesidad de ser tan rebuscada, podría expresar las ideas de manera más eficaz. Vamos, que soy una rollera. Así que voy a procurar simplificar a partir de ahora. Si el maldito cerebro me lo permite, claro.

Espero que disfrutéis de los cortos. Buenos días, buenas tardes, buenas noches.

cortometrajes, paja mental

Los lacónicos

Hace ya unos cuantos días, un comentario de Vannert donde me recomendaba este corto japonés (¡muy, muy bueno!) inspirado en el cuento de Franz Kafka Un médico rural (1919), me dio una idea para hacer otra entrada. Tampoco quería romperme la cabeza demasiado por lo que decidí escribir algo sencillo. Y de lo más sencillo que hay son los listados. Así que allá va una lista de 9 cortometrajes animados nipones que pienso merecen un vistazo atento. Sí, 9, no 10. ¿Por qué? Pues porque sí.

Este tipo de soporte, dada su propia naturaleza, ha consentido al espíritu aventurero y creativo mucho más en sus propuestas que otros; resumiendo, es una parcela donde la vanguardia y el ingenio han podido expresarse siempre con libertad, así que siempre es interesante meter las narices en ellos de vez en cuando. Tanto para observar la evolución del mundo de la animación como para atisbar posibles chispas del futuro. Y disfrutar encima.

Esto no deja de ser una opinión más, la mía; y basada encima en lo que conozco que, lógicamente, no es todo ni muchísimo menos. Pero si al menos os sirve para descubrir algo que no conozcáis todavía o recordar ese pequeño anime que os gustó hace un tiempo, esta entrada ya habrá cumplido su función. Admito que para muchos de vosotros lo que viene a continuación tendrá el mismo atractivo que un escarabajo pelotero cosechando sus porciones de caquitas, pero Sin Orden ni Concierto tiene raticos así. Va en el paquete.

El orden no es indicador de nada, la numeración es solo una forma de organización pero no apunta ningún tipo de preferencia. Tampoco he seguido criterio alguno razonable a la hora de seleccionarlos, la mayoría no tienen nada en común entre ellos. Unos cortos son muy famosos, otros no tanto: todos me gustan. ¡Adelaaaaante, pues!

9

Paulette no Isu

ポレットのイス

(2014)

Hiroyasu Ishida es uno de los primeros nombres que me vienen a la cabeza cuando pienso en jóvenes promesas de la animación nipona. La verdad es que potencial tiene, talento también. Algunos lo han bautizado ya como el heredero de Miyazaki (y van…) porque es inevitable percatarse de la enorme influencia que tiene en su trabajo. Este corto, La silla de Paulette, es muestra de ello. El resplandor de Miyazaki aparece por todos sitios. Pero eso es simplificar. La verdad es que prefiero alejarme, en este caso concreto, de todo tipo de comparaciones porque, para un hombre joven como él que todavía tiene el cascarón en el culo a nivel profesional, es injusto catalogarlo de buenas a primeras así. Es un gran halago y una tremenda losa también. Ishida todavía tiene mucho que demostrar y evolucionar para asentar su estilo. Primero debe encontrarse a sí mismo mediante el rodaje necesario. Pero también es innegable que aptitudes posee de sobra, sus obras son realmente buenas y resulta una esperanza firme para el futuro del anime. Yo no le perdería la pista. El primer corto que vi de él, Rain Town (2011), me dejó encandilada; sigue siendo mi favorito de los que tiene en su haber, aunque este Paulette no Isu también me gustó mucho y reconozco es más accesible. La música es estupenda.

raintown
Rain Town

¡Ah, se me olvidaba! Mucho hay que agradecer a Studio Colorido por todo el esfuerzo que está invirtiendo en apoyar proyectos que en la industria del anime actual no tendrían demasiada cabida. Hacer un hueco a la creatividad  y dar soporte real a los artistas, en unos momentos además en los que casi se está tocando fondo, es toda una gesta caballeresca. Me alegra mucho que aún queden idealistas por el mundo.

8

Kanojo to Kanojo no neko

彼女と彼女の猫

(1999)

¿Quién no conoce a Makoto Shinkai? A ver, levantad las manos, avergonzaos un poco, carallo. Por supuesto, otro al que han catalogado como el nuevo Miyazaki. Yo si fuera él estaría partiéndome el ojete, pero me da que Miyazaki-sensei es bastante más solemne que mi mediocre persona. Volviendo a lo que nos concierne, este Su gato y ella (1999) es bastante célebre. Incluso logró algún que otro premio y no poco importante, todo un mérito ya que esta obra la sacó adelante prácticamente él solito… exceptuando la música.

Desde la perspectiva de Chobi, un gato, la historia narra su vida y la de su ama. Un relato tranquilo, de gran simplicidad formal y una animación que juega contrastando gran realismo en los fondos y unos protagonistas casi esquemáticos. Todo muy poético, estático; pero también vigoroso. Es tierno observar cómo el gato expresa su amor, un amor puro y sincero, a través de los pequeños detalles que conforman su reducido mundo. Un bonito cuento que deja una sonrisa en los labios.

7

Goodbye Elvis & USA

(1971)

¡Y llega el momento weirdo de la lista! Si alguna vez os habéis preguntado qué experimentaríais si os pusieseis de mescalina hasta las cejas, la respuesta tiene un nombre: Keîchi Tanâmi. No hace falta que acudáis a enteógenos, amiguitos, cualquiera de las obras de este caballero resolvería vuestras dudas. Este señor puede haceros alucinar en todos los aspectos sin recurrir a ningún tipo de sustancia. Garantizado. Artista multidisciplinar, es uno de los representantes más prominentes (por no decir el que más) del pop-art japonés. Toda una institución, un pedazo viviente de la Historia del Arte de Cipango.

Este Goodbye Elvis & USA, pertenece a su trabajo Killer Joe’s (1965-1975), siendo una de las piezas más características. Aquí Tanâmi-sensei dió rienda suelta a toda su mala baba e imaginación para cristalizar la cultura popular norteamericana y japonesa. Sin restricciones, con plena libertad creativa; tomando cualquier recurso o elemento, sin reparar en su naturaleza u origen, que fuera útil a sus propósitos artísticos. Y así tenemos ahora lo que tenemos: un espectáculo exuberante de psicodelia salvaje. Imprescindible.

6

On your mark

(1995)

Tanto hablar de Hayao Miyazaki, tanto hablar de él… que no podía faltar en este humilde inventario de cortometrajes. Habría sido un pecado no incluirlo. Se trata de un videoclip que realizó de motu proprio para la canción On your mark del dúo Chage & Aska. Tengo que aclarar, porque si no reviento, que la tonadilla esta me parece la peste, una cerdada suprema que despierta la picadora de carne que llevo dentro. Pero ya dejando de lado eso que suena de fondo, On your mark es todo lo que se puede esperar del Miyazaki de la época comprimido en 6 minutos.

Ciencia ficción, realidad post-apocalíptica, vestigios de ecologismo, fuerte compromiso ético… sí, huele un poquillo a Nausicaä (1984), pero no es un autoplagio. Miyazaki jamás cae tan bajo porque no le hace falta, en su cabecita siempre ha tenido material a rebosar hasta para hacer de una canción hortera (aunque al sensei le guste) una pequeña gema visual. Evidentemente, esa bosta de tema musical no se encuentra a la altura del trabajo de Miyazaki; pero tampoco On your mark resulta especialmente relevante en la trayectoria del japonés. Es una curiosidad bien ejecutada, hermosa; que gustará a los fans, pero que tampoco los sorprenderá demasiado. Eso sí, tiene una peculiaridad interesante y es la estructura no lineal de la narración. Con desenlaces que se autocorrigen, superponen o, quién sabe, quizá son paralelos.

5

Shashinkan

寫眞館

(2013)

ESTOY ENAMORADA DE ESTE CORTO.

Así, en mayúsculas, declaro mi amor incondicional y eterno a Shashinkan. Lo quiero, lo quiero físicamente conmigo in saecula saeculorum, pero de momento me va a resultar difícil. LLORO MUCHO. Detrás de esta maravilla se encuentra Takashi Nakamura. Efectivamente, el de Akira (1988).

El corto nos lleva, a través de los ojos de un fotográfo bonachón (Hinomaru), a la historia temprana del s. XX de Japón: últimos coletazos del Meiji, Taishô y, finalmente, la era Shôwa. Es la vida además de una familia a lo largo del tiempo, enfocada con sutileza y cariño. También hay amargura… y sonrisas. También falta de ellas. Y lirios, hermosos lirios. Es una historia muy sencillita y conmovedora (no hay diálogos siquiera, no hacen falta) pero sin caer en el sentimentalismo. Presenciamos la I Guerra Mundial, El gran terremoto de Kantô, la II Guerra Mundial, los bombardeos… todo queda delicadamente estampado a través de un arte espectacular. Cada detalle, cada maldito detalle está plasmado con enorme belleza. Y ese piano… ay. La evolución del propio Tokio con sus rickshaws, más tarde sus tranvías, luego los trenes… los edificios y construcciones, sus habitantes… Es una verdadera delicia. Nakamura, con su sensibilidad a flor de piel y minuciosidad, se ha ganado el cielo con este Shashinkan. Es de las cosas más bonitas que he visto en años. Haceos un favor y comprobadlo vosotros mismos.

4

The Old man and the Sea

(1999)

Con este corto estoy haciendo un poco de trampa… pero solo un poco. Es una producción rusa, canadiense y japonesa que fue dirigida por Aleksandr Petrov. Como hay 1/3 de Japón en sus tintas, la he incluido porque, además, es una obra preciosa. Se trata de una adaptación de la novela El viejo y el mar (1951) de Ernest Hemingway y la técnica artística utilizada es realmente excepcional y muy poco contemplada en la animación: pintura sobre cristal. Considerada bastante laboriosa, requiere mucha pericia y dedicación aunque el resultado final es extraordinario.

Como la obra literaria, The Old man and the Sea cuenta la historia de un viejo pescador que, tras casi tres meses sin capturar nada y a punto de perder a su joven aprendiz, vuelve a echarse a la mar en su pequeña barca. Mientras espera pacientemente, un enorme pez espada pica uno de sus cebos… pero no todo va a resultar tan fácil. La lucha continua del hombre contra la naturaleza y su derrota ante su colosal autoridad, es uno de los motivos de este cortometraje; pero hay muchos más y no menos importantes. The Old man and the Sea es una obra verdaderamente singular, única, y consiguió multitud de galardones en su momento, entre ellos un Oscar. Y no me sonroja admitir que yo no era muy fan de este libro, pero el corto de Petrov logró reconciliarme con él. Casi.

3

Dôjôji

道成寺

 (1976)

Kihachirô Kawamoto para mí es un puto genio. Los que no hayáis oído hablar de él, estáis perdiendo un tiempo muy valioso de vuestras vidas si no meneáis el culo inmediatamente para averiguar más sobre su persona. Me parece asombroso que este caballero, todo un portento, siga siendo un desconocido para una gran mayoría. Quizá se deba a que la disciplina que utiliza como recurso, el bunraku o teatro de marionetas, no ha calado tanto en Occidente. Pero seamos justos: Kawamoto en realidad sigue la estela de su maestro Tad Mochinaga (1919-1999) en el stop motion; lo suyo no es el bunraku, es la traslación del bunraku al mundo audiovisual. Y gracias a su talento y afán, ahora podemos disfrutar de maravillas como este Dôjôji.

Encajado en el periodo Heian (794-1185), este corto adapta una antigua leyenda del folclore budista japonés a través de su encarnación en el. La narración empieza con el monje Anchin y su mentor, en peregrinación hacia Kumano, tomando alojamiento en la casa de una joven viuda llamada Kiyohime. Esta se encapricha fuertemente de Anchin y, a la noche, se introduce en su aposento para intentar seducirlo. El monje se resiste a pesar de los ruegos de la mujer, y la calma haciéndole la promesa de que se casará con ella. Pero solo se trata de una estratagema: cuando Kiyohime descubre que los dos hombres han huido, enloquece de furor y despecho. No voy a contaros mucho más, salvo que Anchin, desesperado, pide refugio en el templo Dôjôji y Kiyohime, a causa de su obsesión, se ha convertido en una gigantesca serpiente y lo persigue sin tregua. Es muy habitual en el budismo hallar monstruos que, en realidad, son personas dominadas por intensas pasiones; son esas pasiones las que los convierten en demonios. Y en esta historia, además, Kiyohime representa un motivo muy frecuente del imaginario colectivo: la tentación. Ella representa los obstáculos con los que tiene que lidiar Anchin en su senda espiritual.

Me he demorado un poco explicando por encima el argumento porque esta obra carece de diálogos y va dirigida a personas que ya tienen nociones de la leyenda. Es importante conocer algo de ella ya que así se pueden comprender mejor ciertas reacciones y la conclusión de la misma. Dôjôji es un prodigio de la animación y el stop motion. El diseño de las marionetas, sus ropajes, rostros y movimientos tan concienzudamente elaborados por Kawamoto; las esmeradas ambientaciones y la excelente unión entre 2D y figuras, con el transcurrir de las décadas, no han dejado de impresionar. Resumiendo: una japonesada de qualité que todos deberíamos ver.

2

Airy Me

(2013)

Aunque no os lo creáis, este vídeo musical del grupo japonés Cuushe fue el proyecto de fin de carrera de una jovencita anónima llamada Yoko Kuno. Como fan de Mayuko Hitotsuyanagi (el cerebro de Cuushe), el art concept de su disco Butterfly Case (2013) captó inmediatamente mi atención… y cuando me topé con este vídeo ya me quedé pasmada. ¿Quién se escondía tras todo esto? Ah, menudo descubrimiento.

La perfecta sincronización audiovisual asusta. Ese firmamento hipnótico musical, que se extiende con obstinado ritmo mecánico casi dislocado, fue aprehendido matemáticamente por Yoko Kuno, creando una fantasmagoría de increíble simplicidad y violencia. Mediante el aliento clásico de Osamu Tezuka, esta jovencita es la responsable de una arquitectura aérea que fascina por su desbordante intensidad y dinamismo. El resultado es límpido, de una ferocidad delicada; como la propia historia que cuenta sobre científicos locos y experimentos humanos. Desde luego Kuno-san es una joven a la que no perder de vista.

1

Jumping

ジャンピング

(1984)

Este corto de Osamu Tezuka es genial y tiene una pizca de mala leche muy divertida. El dios del manga también tuvo su vertiente más experimental como bien sabréis, e hizo varios cortometrajes a lo largo de su vida que así lo demuestran. Este Jumping pertenece a la que sería una “segunda hornada”, donde había alcanzado ya una madurez.

Jumping, con un único plano subjetivo de base y sin apoyo musical, nos cuenta cómo un niño o una niña, caminando por el que parece su barrio, comienza a saltar y a saltar y a saltar cada vez más alto… avanzando y llegando a lugares de lo más remoto. Hulk style. Podríamos decir que es una especie de alegoría de los saltos que da la humanidad en su progreso; y en su viaje por el mundo, el o la protagonista se topa con todo lo que ha logrado, tanto bueno como malo. Visita selvas, ciudades, océanos, zonas de guerra… y  a sus habitantes. Todo desde la visión imparcial de un niño.

Siendo del año 1984, comprenderéis que no haya uso de CGI ni nada que se le parezca; y aun así es un corto innovador, enérgico y con un dominio de las perspectivas soberbio. El vídeo que he linkeado no tiene una calidad demasiado buena, he sido incapaz de encontrar otro mejor (que me permitiera incrustarlo); pero aquí tenéis un enlace donde lo podréis ver en una resolución más decente.

Y esto ha sido todo por hoy. Me ha salido una entradilla un poco random aunque seguro algo de provecho sacaréis. Creo. Buenos días, buenas tardes, buenas noches.